Swen Kählert | Visual Artist

Charakteristisch für meine Arbeit ist der Bezug zur Landschaft. Darunter verstehe ich sowohl den städtischen als auch den ländlichen Raum, beide sind (bei uns in Deutschland) gestaltet und nur sehr selten ursprünglich natürlich. Wenn ich mir aber die kleinen Details anschaue, dann entdecke ich einen wunderbaren, fast anarchischen Kosmos. Orte, die komplett ignoriert werden, weil sie nicht von Bedeutung sind. Dort entwickelt sich etwas. Zeit und Beharrlichkeit ist der Motor für permanente Veränderung. Jeden Tag kommt etwas dazu, und je länger dieser Zustand anhält, umso komplexer wird das Leben, das sich dort entwickeln kann. Daran nehme ich mir ein Beispiel. Ich wiederhole Arbeitsgänge immer und immer wieder. Jeder ist leicht anders und somit eine Variation der vorhergehenden. Nach einer Weile wachsen die Dinge und formen sich quasi fast von selbst. Dennoch entscheide ich was mir wichtig und weniger wichtig ist. Es ist eine Art bildhauerischer Prozess in Zeitlupe. Ich verstehe mich aber, vor allem weil ich meist nur mit Acrylfarbe arbeite (manchmal mische ich auch andere Farben hinzu), ganz klar als Maler und nicht als Bildhauer. Der Prozess ist ein malerischer. Für mich hat diese Routine fast etwas von Meditation. Am Anfang bin ich noch etwas zögerlich, aber je öfter ich die Schritte wiederhole, umso sicherer werde ich. Eine Linie, die man tausendmal zieht, fühlt sich anfangs anders an, als am Ende. Nach einer Weile wachse ich mit meinen Arbeiten zusammen und habe im Gefühl, wann sie „fertig“ sind. Solange sie aber nicht verkauft sind, kann es vorkommen, dass ich mir ältere Arbeiten wieder vorknöpfe und weitermache. Mir gefällt der Gedanke, dass man, erst wenn man es ausprobiert, weiss welche Ergebnisse noch möglich sind. Das kann allerdings auch nach hinten losgehen und ich stelle mich diesem Risiko.

A defining characteristic of my work is its connection to the landscape. By this, I mean both urban and rural spaces, as both are shaped (here in Germany) and only very rarely remain in their original natural state. However, when I look at the small details, I discover a wonderful, almost anarchic cosmos—places that are completely ignored because they hold no apparent significance. Yet, something develops there. Time and persistence are the driving forces behind constant change. Every day, something new emerges, and the longer this state persists, the more complex the life that can develop there becomes. I take this as my inspiration.

I repeat work steps over and over again. Each iteration is slightly different and thus a variation of the one before. Over time, the works grow and almost shape themselves. However, I decide what is important and what is less so. It’s a kind of sculptural process in slow motion. Yet, because I mainly work with acrylic paint (occasionally mixing in other types of paint), I clearly see myself as a painter, not a sculptor. The process is painterly. For me, this routine has an almost meditative quality. At first, I’m somewhat hesitant, but the more often I repeat the steps, the more confident I become. A line that you draw a thousand times feels different at the beginning than at the end.

Over time, I grow together with my works and develop an intuitive sense of when they are “finished.” However, as long as they haven’t been sold, it can happen that I revisit older works and continue working on them. I like the idea that only by trying something out do you discover what further results are possible. Of course, this can backfire, and I embrace that risk.

Früher habe ich konsequent auf Leinwand gearbeitet. Das wurde mir aber zu langweilig. Inzwischen benutze ich nahezu alles, was meine Aufmerksamkeit weckt. Ich mag es auf Dingen zu arbeiten, die nicht als „Malträger“ geschaffen wurden. Der Natur wäre das übrigens auch egal. Sie besiedelt konsequent alles, das sich nicht dagegen wehrt. Aus den Verbindungen, die sich daraus ergeben, entsteht ganz Neues. Der Zufall spielt dabei immer eine Rolle. Die Geschichte der Dinge ist oftmals noch nicht zu Ende erzählt, so interpretiere ich es.

Inhalt meiner Kunst ist vor allem mein Streben nach Kontinuität. Jeder, der unfreiwillig aus seinen gewohnten Umständen gerissen wird, weiss wie wichtig diese sind. Zwar bin ich ein wiesenhungriger neugieriger Mensch, aber z.B. mag ich es nicht ständig auf Achse sein. Mir die Zeit für meine Arbeit nehmen zu können, ist mein Luxus. In Gesprächen bei Ausstellungseröffnungen merke ich oft, dass Effizienz und Wirtschaftlichkeit so dominant sind, dass Viele sich nicht vorstellen können, sehr lange mit nur einer Sache beschäftigt zu sein. Das liegt mir fern. Einige meiner Arbeiten sind relativ schnell fertig, aber andere brauchen extrem viel Zeit. Meine Freiheit ist, selbst zu entscheiden wann ich fertig bin und wann nicht. Ich habe das Gefühl, dass viele Menschen sich das nicht einmal als Hobby vorstellen können, und schon gar nicht als Beruf. Ich möchte mit meiner Arbeit zeigen, dass Veränderungen Beharrlichkeit und Geduld brauchen. Das ist mit allem so. Wir sollten wieder weitsichtiger denken und weniger den schnellen Erfolg suchen. Ausserdem sollten wir nicht alles optimieren wollen. Vieles ist nahezu perfekt, die Natur z.B., und es gibt keinen Grund alles verändern oder über den Haufen werfen zu müssen. Die Verbindung mit den Dingen ist der Schlüssel zum Erfolg.

Wenn ich arbeiten beginne, dann unter dem Titel für eine ganze Serie, einzelne Arbeiten haben meist keinen. Oft laufen diese Serien parallel zueinander und ergänzen sich. Ich stelle mir eine Geschichte dazu vor, also fast wie Protagonisten in einem Set. Die Querverbindungen unter den Themen und Arbeiten rufen manchmal tolle Assoziationen hervor. Dann merke ich, dass ich plötzlich Bereiche streife, an die ich zuerst gar nicht gedacht habe. Daher arbeite ich auch sehr viel, denn ich habe festgestellt, das, neben der Theorie, nur das Machen zu neunen Ansätzen führt. Das ist vor allem interessant, wenn man das eigene Œuvre anschaut und feststellt, dass das Eine zum Anderen führt. Alles steht in Verbindung. Da sind wir wieder bei der Kontinuität. Angst vor der leeren Leinwand, oder in meinem Falle „Träger“, habe ich nicht. Bei großen Leinwandarbeiten beginne ich mit einer Mischung aus kontrolliertem Vorgehen und einer Art impulsivem Zufall. Im weiteren Verlauf versuche ich mich voll und ganz auf das einzulassen, was ich dann vorfinde. Abstand nehmen und schauen, warten, wieder schauen ist sehr wichtig für mich. Nach und nach löst sich der Knoten und ich komme meinem Ziel näher. Kleinere Arbeiten sind oft einfacher. Wenn ich beginne, versuche ich die Stärken und die Schwächen der Dinge zu sehen und zu betonen. Oftmals entsteht aus der Verbindung der Dinge eine völlig neue Situation, die mich inspiriert.

I used to work consistently on canvas, but I found it became too monotonous. Nowadays, I use almost anything that captures my attention. I enjoy working on things that weren’t created as “painting surfaces.” Nature, after all, wouldn’t care about that either. It relentlessly takes over anything that doesn’t resist. From the connections that emerge, something entirely new is created. Chance always plays a role in this process. I interpret it as the story of things not yet being fully told.

The core of my art is primarily my pursuit of continuity. Anyone who has been involuntarily torn from their familiar circumstances knows how important continuity is. Although I am a curious and eager explorer, I don’t, for example, enjoy being constantly on the move. Having the time to dedicate to my work is my luxury. At exhibition openings, I often notice how dominant efficiency and profitability have become, to the point where many people can’t imagine spending a long time focused on a single thing. That’s far removed from my approach. Some of my works come together relatively quickly, while others require an extraordinary amount of time. My freedom lies in deciding when something is finished—and when it’s not.

I sense that many people can’t even imagine this mindset as a hobby, let alone as a profession. Through my work, I want to show that meaningful change requires persistence and patience. That applies to everything. We need to start thinking with greater foresight again and stop chasing quick success. Furthermore, not everything needs to be optimized. Many things, like nature, are nearly perfect, and there’s no need to change or overturn them entirely. The connection with things is the key to success.

When I start working, it’s often under the umbrella of a series title—individual works usually remain untitled. These series often run parallel and complement one another. I imagine a story for them, almost as if they were protagonists on a set. The intersections between themes and works sometimes spark remarkable associations. That’s when I notice I’ve stumbled into areas I hadn’t initially considered.

This is why I work so much: I’ve realized that, beyond theory, only doing leads to new ideas. It’s especially fascinating when you look at your own body of work and see how one piece leads to the next. Everything is connected, bringing us back to the idea of continuity. I don’t fear a blank canvas—or, in my case, a “surface.” For larger works, I begin with a mix of controlled methods and a kind of impulsive randomness. As I progress, I fully immerse myself in what I encounter. Taking a step back, observing, waiting, and observing again are crucial for me. Gradually, the knot unravels, and I move closer to my goal.

Smaller works are often easier. When I start, I try to see and emphasize the strengths and weaknesses of the materials. Often, the connection between things creates an entirely new situation that inspires me.